Eva Lochner

I could remind you that our human bodies are at least two-thirds water, but more interesting than these ontological maths is what this water does – where it comes from, where it goes, and what it means along the way. Our wet matters are in constant process of intake, transformation, and exchange – drinking, peeing, sweating, sponging, weeping. Discrete individualism is a rather dry, if convenient, myth.
Astida Neimanis

Ausgehend von den Texten Astrida Neimanis (Hydrofeminismus) und Joan Didions beschäftigt sich die Recherche mit der meist im Verborgenen liegende Infrastruktur von Wasser und bezieht die ökologischen Abhängigkeiten und Wechselwirkungen aus einer more-than-human Perspektive mit ein. Dabei geht es auch um Wasser als spirituell-religiösens Subjekt/Objekt.

von: Eva Lochner BILDGESTALTUNG: Elisabeth Börnicke, SOUND: Anne-Sophie Lohmann PERFORMACE: Max Krause MIT: Helene Shani Braun, Franz Kari, Kalle Lenz
Fotos: Elisabeth Börnicke, Eva Lochner

Gefördert vom Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen von NEUSTART KULTUR.

nach der Graphic Novel von Liv Strömquist
Premiere Februar 2021, Theater Oberhausen

Was ist Liebe und warum kann sie so weh tun? Wo ver–läuft die Grenze zwischen Erlaubtem und Verbotenem in romantischen Beziehungen? Und woher kommen die einengenden Geschlechterrollen und die zwanghafte Heterosexualität, die unsere Gesellschaft noch immer prägen? Diesen und anderen Fragen geht die schwedische Comiczeichnerin Liv Strömquist in „Der Ursprung der Liebe“ nach. Polemisch, witzig, treffend bringt sie wissen-schaftliche Theorien mit popkulturellen Beispielen der 90er und 00er Jahre zusammen: von Whitney bis Britney, mit Diana und Charles und den notorisch beziehungsun-fähigen Männerfiguren aus „Seinfeld“ und „Two and a Half Men“.  (Text: Raban Witt)

REGIE/KONZEPT: Lise Wolle, Ronja Oppelt, Karoline Behrens BÜHNE I KOSTÜM: Eva Lochner DRAMATURGIE: Raban Witt MUSIK: Yotam Schlezinger VIDEO: Tanja Hafedorn MIT: Ronja Oppelt und Lise Wolle
Fotos: Isabel Machado Rios

Stück nach Stories von David Forster Wallace
Premiere März 2020, Theater Aachen Kammerspiele

In den 12 fiktionalen Interviews von „Hideous Men“ geht es um den männlichen Blick auf Frauen, die im Setting eines halböffentlichen Raums – am Pool eines Country Clubs – von drei männlichen und einer weiblichen Darstellerin, verhandelt werden. Das Stück handelt von kritischem Geniekult, den Lamenti der „weißen heterosexuellen Männer“, der Konstruktion von Männlichkeit und der Demonstration von männlicher Herrschaft. Dabei wird den Männern die Souveränität entzogen, indem sie anstelle von eines festen Grunds unter den Füßen auf einer Poolabdeckungsplane mit Schlitzen herumstaksen und einsinken. Ihre Kostüme greifen Klaus Theweleits Konzept der Fragmentkörper auf und verweisen auf die Dialektik von Brüchigkeit und Panzerung.

REGIE: Tanja Krone BÜHNE I KOSTÜM: Eva Lochner DRAMATURGIE: Gesa Lolling MUSIK: Malcolm Kemp MIT: Elke Borkenstein, Thomas Hamm, Tim Knapper, Kilian Ritter und Karl Walter Sprungala
Fotos: Will van Iersel

Uraufführung Oktober 2019, SOPHIENSÆLE, HELLERAU- Europäisches Zentrum der Künste, Theaternatur – Festival für dartellende Künste 2020

„Über Land“-Spezial-Edition 2020: SOPHIENSÆLE

Frankenberg, 1989/90. Wenige Augenblicke nach der „Wende“. Tanja Krone ist 13 Jahre alt und besucht die 7. Klasse. Ein Satz liegt in der Luft – in der Schule, Zuhause, im ganzen Land: „Ihr müsst jetzt lernen, die Ellen- bogen auszufahren!“ 30 Jahre später spricht Tanja Krone mit Eltern, Geschwistern, alte Schulfreund*innen und Lehrer*innen. Mit ihr stehen zwei Frauen auf der Bühne – die eine 43 Jahre, die andere 13 Jahre alt. Gemeinsam erkunden sie in kollektivistischer Geschichtsschreibung „Das Ellenbogen-Prinzip“: körperlich, inhaltlich, musika- lisch, global. Weiße Lamellen hängen wie abgeschnittene Aufnahmebänder (recordar = erinnern) herab und er- möglichen ein Spiel von Sichtbarkeit und Nichtsichtbarkeit, da sie je nach Position die Sicht auf die Spieler*inen einschränken und verdecken. Auf dem Boden verweist ein gleich eines geworfenen Mikado-Spiels ins Chaos geratenes Wegesystem auf die Wende und Umbruchsituation vieler Biografien der damaligen Zeit. Gleichzeitig gibt es Spielebenen vor: Kreuzungspunkte, öffentliche Wege, daneben schwarze Dreiecke als Negativräume und intime Räume.

LEITUNG, RECHERCHE: Tanja Krone BÜHNE I KOSTÜM: Eva Lochner PERFORMANCE: Frida Ponizil, Emma Rönnebeck, Tanja Krone DRAMATURGIE: Johanna-Yasirra Kluhs MUSIKALISCHE BERATUNG: Thomas Seher VIDEO: Clarissa Thieme PRODUKTIONSLEITUNG: Claudia Peters REGIEASSISTENZ: Luise Walter
Fotos: Stephan Floss, Gerhad Ludwig

Albert Camus nach dem Roman „Die Dämonen“ von Fjodor Dostojewskij

Fiktiver Ausstattungsentwurf als Diplomprojekt im Fach Bühnen- und Kostümbild an der Hochschule für Bildende Künste Dresden, Juli 2018.

Im Mittelpunkt des Stücks steht der Held Nikolai Stawrogin: ein demonstrativ gleichgültiger Charakter, der in seiner agnostisch-atheistischen Amoralität sein Umfeld in die Krise stürzt. Er repräsentiert damit die radikale Konsequenz des „westlichen Denkens“, das jegliche traditionelle Ethik in relativistischer Reflexion zersetzt. Diese Ideen erscheinen als gelb fluoreszierende kryptische Zeichen im schwarzen Hintergrund, ähnlich einem Programmiercode. In elliptischer Form drehen sich karminrot glänzende Stege von außen in den Raum, womit die kreisrunde Architektur des Globe-Theaters der Berliner Schaubühne aufgegriffen und genutzt wird. Das soziale Gefüge gerät zunehmend ins Ungleichgewicht, woraufhin die zentrale Plattform – Spielebene des gut bürgerlichen Salons – nach vorne und hinten zu wippen, sowie der Kronleuchter zu pendeln und herabzusinken beginnt. Das Kostüm erweitert die Materialkombinationen von Marmormustern, Holz und transparenten Spiegelflächen durch modische Opulenz und simuliert eine rein äußerliche, entkernte Scheinbedeutsamkeit.

Das Schloß

nach Franz Kafka

Als der Protagonist K. die gelbe Drehscheibe betritt, dringt er in die Welt eines Dorfes ein, die bis ins kleinste Detail von einem Schloss kontrolliert wird, welches sich als entmenschtlichter Bürokratieapparat entpuppt. K. kämpft um seine Anerkennung als Landvermesser, um die Anerkennung als berechtigtes Mitglied einer Gemeinschaft, die außerhalb von ihm in ihrer eigenen Logik funktioniert und von sich selbst behauptet, keine Gäste nötig zu haben (diese frönen ihren eigenen Codes und bespielt dabei Objekte der klassizistischen Architektur aus dem 19. Jahrhundert wie z.B. Kamin und Balkon mit schmiedeeisernem Geländer). Immer tiefer verstrickt er sich in einem Dickicht der Abhängigkeiten auf der Suche nach einem Gegenüber, das ihm Rede und Antwort steht. Als K. die Live-Kamera als inszinatorisches Mittel des Dorfes übernimmt, muss er erkennen, dass die gefürchtete Anwesenheit eines abwesenden Gesetzes nur durch eine Behauptung existiert.

Mit freundlicher Unterstützung des Deutschen Bühnenvereins, Landesverband Berlin. Anfertigung bei MWB Theater- und Veranstaltungs GmbH

Brave New Work

mit Texten des Ensembles

Juli 2017, Bundeswettbewerb deutschsprachiger Schauspielstudierender I April 2017, Deutsches Theater Berlin (Box) I Februar 2017 bat-Studiotheater der HfS Ernst Busch Berlin

„Ich meine, was bleibt mir denn, wenn meine Authentizität sich plötzlich nicht mehr authentisch anfühlt? Früher hätte ich wenigstens noch stolz darauf sein können, dass ich besonders gut fechten kann. Da gab’s wahrscheinlich ein Klassenbewusstsein zwischen Schauspielern, die gut fechten können. Aber das interessiert heute ja keinen mehr. Außer Leute, die gut fechtende Schauspieler sehen wollen und sich Hamlet auch noch ein drittes Mal ansehen.“
(Text aus dem Stück)

Ausgezeichnet beim 28. Schauspielschultre en in Stuttgart für den Trio-Preis: das Ensemble Luise Camilla Aschenbrenner, Gro Swantje Kohlhof und Nicolas Lehni der Produktion „Brave New Work“ der Universität der Künste Berlin

REGIE, DRAMATURGIE: Rebekka David, Bendix Fesefeldt BÜHNE: Eva Lochner KOSTÜM: Leonie Falke und Laura Kirst MUSIK: Yuka Otsuki und Matthias Erhard MIT: Luise Aschenbrenner, Gro Swantje Kohlhof, Nicolas Lehni

Occupied Summer

von Berit Töpfer

Publikumspreis Mitteldeutsche Filmnacht beim 30. Filmfest Dresden – International Short Film Festival, 2016/17, 25 Min., Drehort: Stellanello, Italien

Die weite weite Sofalandschaft

nach einem Text von Malte Abraham und mit Texten vom Ensemble

Februar 2017 + Oktober 2016,  bat-Studiotheater der HfS Ernst Busch Berlin

„Wenn das die Zukunft ist, dann wollen wir daran nicht teilnehmen.“

(Zitat aus dem Stück)
Drei junge SchauspielerInnen versuchen das Gefühl von Arbeit abzuschaffen, indem sie allerhand Toules und Strategien aus dem Bereich des Teamcoaching anwenden.

REGIE, DRAMATURGIE: Rebekka David und Bendix Fesefeldt BÜHNE | VIDEO: Eva Lochner KOSTÜM: Leonie Falke und Laura Kirst MUSIK: Yuka Otsuki und Matthias Erhard MIT: Luise Aschenbrenner, Gro Swantje Kohlhof, Nicolas Lehni